Elgin Symphony Orchestra

The Elgin Symphony Orchestra, four-time winner of Orchestra of the Year!

Audience members must provide proof of complete vaccination for COVID-19 prior to entering the concert venue.
Masks are recommended but optional for concert attendees at the Hemmens Cultural Center.
Please read our complete COVID-19 Health and Safety Statement
Elgin Symphony Orchestra - Ankush Bahl, conductor, Beethoven

Beethoven’s Eroica

Season: 2021-2022

Saturday, February 5 at 7:30 pm
Sunday, February 6 at 3:00 pm
Hemmens Cultural Center, Elgin, IL

Sorry, tickets to this experience are no longer available.

Concert Program

Ankush Kumar Bahl, conductor
Randall Goosby, violin

Montgomery: Starburst
Mendelssohn: Violin Concerto in E minor, op.64
Beethoven: Symphony No. 3 in E-flat major, op.55, “Eroica”

Join us for a Pre-Concert Chat 1-hour before the performance. (6:30 pm Saturday/2:00 pm Sunday)

Ticket Information

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Prices: Gold $65 / Red $50 / Green $35
Students & Youth $10
*Discount Pricing available for Groups of 10 or more! CLICK HERE for details.
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Health and Safety

The ESO is thrilled to return to the stage for an exciting 2021-2022 season! We look forward to welcoming you back to enjoy live performances with your Elgin Symphony Orchestra.

The health and safety of our musicians, staff, and you are paramount as we resume live concert experiences. As such, we have established the following policies in accordance with CDC and State of Illinois guidelines to best protect everyone who enters the concert hall:

  • All audience members must provide proof of complete vaccination for COVID-19 prior to entering the concert venue, regardless if these were previously shown or submitted.
    • Please bring your COVID-19 vaccination record to the performance (photos of both sides of the record are also accepted), as well as photo Identification.
  • As currently mandated by the State of Illinois, concert attendees will be required to wear masks at all times within concert venues.
  • Tickets will be on sale at the Hemmens Cultural Center one-hour prior to each performance. However, to be mindful of the safety concerns surrounding COVID-19, we encourage our patrons to purchase tickets in advance to prevent crowding within the venue.
  • Pre-purchased tickets may be collected at Will Call on the day of the concert. Tickets purchased online the day of the concert will require proof of purchase.

We look forward to welcoming you back for a wonderful season of great music. If you have any questions, please contact our Box Office at 847-888-4000.

Elgin Symphony Orchestra - Ankush Bahl, conductor, Beethoven's Eroica
Ankush Kumar Bahl, conductor

Currently in his first season as Music Director of the Omaha Symphony, Ankush Kumar Bahl has delivered resonant performances of masterworks, new and old, championing American composers and artists while pursuing innovative, community-based concert design. Bahl is recognized by orchestras and audiences alike for his impressive conducting technique, thoughtful interpretations, and engaging podium presence. In concert, he has left the Washington Post “wanting to hear more” and has been praised by the New York Times for his “clear authority and enthusiasm” and ability to “inspire.” 

Highlights of previous and upcoming guest engagements include concerts with the New York Philharmonic, Royal Concertgebouw Orchestra, Detroit Symphony, San Diego Symphony, Buffalo Philharmonic, Orchestre National de France, Orquesta Sinfónica Nacional de México, Richmond Symphony, Virginia Symphony, Louisiana Philharmonic, and the National Symphony Orchestra (NSO, in Washington, D.C.). Summer festival appearances engagements include the Copenhagen Philharmonic at Tivoli, Sun Valley Summer Symphony, Wintergreen Summer Music Festival, Chautauqua Institute, Wolf Trap with the NSO, and a debut at the Brevard Music Center in the summer of 2022. An experienced collaborator, Bahl has worked with many prominent soloists, among them Daniil Trifonov, Lang Lang, Sarah Chang, Lara St. John, Karen Gomyo, Aaron Diehl, Bezhod Abduraimov, Benjamin Grosvenor, Orion Weiss, Conrad Tao, Charlie Albright, Anthony McGill, Kelley O’Connor, Philadelphia Orchestra Concertmaster David Kim, and Vesko Eschkenazy, concertmaster of the Royal Concertgebouw Orchestra.

Bahl is a proud recipient of four separate Solti Foundation U.S. Career Assistance Awards between 2011 and 2016 and the 2009 Felix Mendelssohn-Bartholdy Scholarship. A protégé of former New York Philharmonic Music Director Kurt Masur, he served as his assistant conductor at the Orchestre National de France, Royal Concertgebouw Orchestra, and Leipzig Gewandhaus Orchestra. From 2011 to 2015, he was assistant conductor of the National Symphony Orchestra under Christoph Eschenbach, leading a variety of concerts over the course of 100 performances. Bahl has been fortunate to also count Maestros Jaap van Zweden, Zdenek Macal, David Zinman, and Gianandrea Noseda among his mentors.

American born and of Indian descent, Ankush Kumar Bahl is a native of the San Francisco Bay Area and received a double degree in music and rhetoric from the University of California at Berkeley. He was a conducting fellow at the Aspen Music Festival with David Zinman and completed his master’s degree in Orchestral Conducting at the Manhattan School of Music with Zdenek Macal and George Manahan. In recent years, Bahl has been a frequent collaborator with jazz legend Wayne Shorter, conducting his quartet in concerts of his orchestral music at the Kennedy Center and Detroit Free Jazz Festival. 

For more information: https://www.ankushbahl.com

Elgin Symphony Orchestra - Ankush Bahl, conductor, Beethoven's Eroica
Ankush Kumar Bahl, director

Actualmente en su primera temporada como director musical de la Sinfónica de Omaha, Ankush Kumar Bahl ha ofrecido interpretaciones resonantes de obras maestras, nuevas y antiguas, defendiendo a los compositores y artistas estadounidenses mientras busca un diseño de concierto innovador y basado en la comunidad. Bahl es reconocido tanto por las orquestas como por el público por su impresionante técnica de dirección, sus interpretaciones reflexivas y su cautivadora presencia en el podio. En conjunto, dejó el Washington Post “con ganas de escuchar más” y el New York Times lo elogió por su “clara autoridad y entusiasmo” y su capacidad para “inspirar”.

Los aspectos más destacados de los compromisos de invitados anteriores y futuros incluyen conciertos con la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Real del Concertgebouw, la Sinfónica de Detroit, la Sinfónica de San Diego, la Filarmónica de Buffalo, la Orquesta Nacional de Francia, la Orquesta Sinfónica Nacional de México, la Sinfónica de Richmond, la Sinfónica de Virginia, la Filarmónica de Luisiana y la Orquesta Sinfónica Nacional (NSO, en Washington, DC). Los compromisos de apariciones en festivales de verano incluyen la Filarmónica de Copenhague en Tivoli, la Sinfónica de verano de Sun Valley, el Festival de música de verano de Wintergreen, el Instituto Chautauqua, Wolf Trap con la NSO y un debut en el Brevard Music Center en el verano de 2022. Como colaborador experimentado, Bahl ha Trabajó con muchos solistas destacados, entre ellos Daniil Trifonov, Lang Lang, Sarah Chang, Lara St. John, Karen Gomyo, Aaron Diehl, Bezhod Abduraimov, Benjamin Grosvenor, Orion Weiss, Conrad Tao, Charlie Albright, Anthony McGill, Kelley O’Connor., el concertino de la Orquesta de Filadelfia, David Kim, y Vesko Eschkenazy, concertino de la Royal Concertgebouw Orchestra.

Bahl se enorgullece de haber recibido cuatro premios de asistencia profesional de la Fundación Solti de EE. UU. entre 2011 y 2016 y la beca Felix Mendelssohn-Bartholdy de 2009. Protegido del exdirector musical de la Filarmónica de Nueva York, Kurt Masur, se desempeñó como director asistente en la Orquesta Nacional de Francia, la Orquesta Real del Concertgebouw y la Orquesta Gewandhaus de Leipzig. De 2011 a 2015, fue director asistente de la Orquesta Sinfónica Nacional bajo el director Christoph Eschenbach, dirigiendo una variedad de conciertos en el transcurso de 100 funciones. Bahl ha tenido la suerte de contar también con los Maestros Jaap van Zweden, Zdenek Macal, David Zinman y Gianandrea Noseda entre sus mentores.

Nacido en Estados Unidos y de ascendencia india, Ankush Kumar Bahl es nativo del Área de la Bahía de San Francisco y recibió doble titulación en música y retórica de la Universidad de California en Berkeley. Fue director en el Festival de Música de Aspen con David Zinman y completó su maestría en Director Orquestal en la Escuela de Música de Manhattan con Zdenek Macal y George Manahan. En los últimos años, Bahl ha sido un colaborador frecuente de la leyenda del jazz Wayne Shorter, dirigiendo su cuarteto en conciertos de su música orquestal en el Kennedy Center y el Detroit Free Jazz Festival.

Elgin Symphony Orchestra - Randall Goosby, violin - Beethoven's Eroica
Randall Goosby, violin

Randall Goosby

Signed exclusively to Decca Classics in 2020 at the age of 24, American violinist Randall Goosby is acclaimed for the sensitivity and intensity of his musicianship alongside his determination to make music more inclusive and accessible, as well as bringing the music of under-represented composers to light.

Highlights of Randall Goosby’s 2021/22 season include debuts with the Los Angeles Philharmonic under Gustavo Dudamel at the Hollywood Bowl, Baltimore Symphony under Dalia Stasevska, Detroit Symphony under Jader Bignamini, London Philharmonic Orchestra and Philharmonia Orchestra. He makes recital appearances at London’s Wigmore Hall, New York’s 92nd Street Y, San Francisco Symphony’s Davies Symphony Hall and Boston’s Isabella Stewart Gardner Museum.

June 2021 marks the release of Goosby’s debut album for Decca entitled Roots, a celebration of African-American music which explores its evolution from the spiritual through to present-day compositions. Collaborating with pianist Zhu Wang, Goosby has curated an album paying homage to the pioneering artists that paved the way for him and other artists of color. It features three world-premiere recordings of music written by African-American composer Florence Price, and includes works by composers William Grant Still and Coleridge-Taylor Perkinson plus a newly commissioned piece by acclaimed double bassist Xavier Foley, a fellow Sphinx, Perlman Music Program and Young Concert Artists alumnus.

Randall Goosby has performed with orchestras across the United States including the New York Philharmonic, Cleveland Orchestra, Nashville Symphony and New World Symphony. Recital appearances have included the Kennedy Center, Kravis Center and Wigmore Hall.

Goosby is deeply passionate about inspiring and serving others through education, social engagement and outreach activities. He has enjoyed working with non-profit organizations such as the Opportunity Music Project and Concerts in Motion in New York City, as well as participating in community engagement programs for schools, hospitals and assisted living facilities across the United States.

Randall Goosby was First Prize Winner in the 2018 Young Concert Artists International Auditions. In 2019, he was named the inaugural Robey Artist by Young Classical Artists Trust in partnership with Music Masters in London; and in 2020 he became an Ambassador for Music Masters, a role that sees him mentoring and inspiring students in schools around the United Kingdom.

Goosby made his debut with the Jacksonville Symphony at age nine. At age 13, he performed with the New York Philharmonic on a Young People’s Concert at Lincoln Center’s Avery Fisher Hall and became the youngest recipient ever to win the Sphinx Concerto Competition. He is a recipient of Sphinx’s Isaac Stern Award and of a career advancement grant from the Bagby Foundation. A graduate of the Juilliard School, he continues his studies there, pursuing an Artist Diploma under Itzhak Perlman and Catherine Cho. An active chamber musician, he has spent his summers studying at the Perlman Music Program, Verbier Festival Academy and Mozarteum Summer Academy among others.

Randall Goosby plays a 1735 Giuseppe Guarneri del Gesu on generous loan from the Stradivari Society.

For more information: https://randallgoosby.com

Elgin Symphony Orchestra - Randall Goosby, violin - Beethoven's Eroica
Randall Goosby, violin

Randall Goosby

Firmado exclusivamente con Decca Classics en 2020 a la edad de 24 años, el violinista estadounidense Randall Goosby es aclamado por la sensibilidad y la intensidad de su maestría musical junto con su determinación de hacer que la música sea más inclusiva y accesible, además de llevar la música de compositores subrepresentados a ligero.

Los aspectos más destacados de la temporada 2021/22 de Randall Goosby incluyen debuts con la Filarmónica de Los Ángeles bajo el director Gustavo Dudamel en el Hollywood Bowl, la Sinfónica de Baltimore bajo la director Dalia Stasevska, la Sinfónica de Detroit bajo el director Jader Bignamini, la Orquesta Filarmónica de Londres y la Orquesta Filarmónica. Hace recitales en el Wigmore Hall de Londres, la 92nd Street Y de Nueva York, el Davies Symphony Hall de la Sinfónica de San Francisco y el Museo Isabella Stewart Gardner de Boston.

Goosby lanzó su álbum debut en Junio de 2021 para Decca titulado Roots, una celebración de la música afroamericana que explora su evolución desde lo espiritual hasta las composiciones actuales. En colaboración con el pianista Zhu Wang, Goosby ha curado un álbum que rinde homenaje a los artistas pioneros que allanaron el camino para él y otros artistas de color. Presenta tres grabaciones de música de estreno mundial escritas por la compositora afroamericana Florence Price, e incluye obras de los compositores William Grant Still y Coleridge-Taylor Perkinson, además de una pieza recientemente encargada por el aclamado contrabajista Xavier Foley, un compañero de Sphinx, Perlman Music Program. y exalumno de Jóvenes Artistas de Concierto.

Randall Goosby ha actuado con orquestas en los Estados Unidos, incluidas la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta de Cleveland, la Sinfónica de Nashville y la Sinfónica del Nuevo Mundo. Las apariciones en recitales han incluido el Kennedy Center, Kravis Center y Wigmore Hall.

A Goosby le apasiona profundamente inspirar y servir a los demás a través de la educación, el compromiso social y las actividades de divulgación. Ha disfrutado trabajar con organizaciones sin fines de lucro como Opportunity Music Project y Concerts in Motion en Nueva York, además de participar en programas de participación comunitaria para escuelas, hospitales e instalaciones de vida asistida en los Estados Unidos.

Randall Goosby fue ganador del primer premio en las audiciones internacionales de jóvenes artistas de conciertos de 2018. En 2019, fue nombrado Robey Artist inaugural por Young Classical Artists Trust en asociación con Music Masters en Londres; y en 2020 se convirtió en Embajador de Music Masters, un papel que lo ve asesorando e inspirando a estudiantes en escuelas de todo el Reino Unido.

Goosby hizo su debut con la Sinfónica de Jacksonville a los nueve años. A los 13 años, actuó con la Filarmónica de Nueva York en un Concierto para Jóvenes en el Avery Fisher Hall del Lincoln Center y se convirtió en el ganador más joven en ganar el Concurso Sphinx Concerto. Recibió el premio Isaac Stern de Sphinx y una subvención de avance profesional de la Fundación Bagby. Graduado de la Juilliard School, continúo su estudio allí, obteniendo un Diploma de Artista con Itzhak Perlman y Catherine Cho. Un músico de cámara activo ha pasado sus veranos estudiando en el Programa de Música Perlman, la Academia del Festival Verbier y la Academia de Verano Mozarteum, entre otros.

Randall Goosby interpreta un Giuseppe Guarneri del Gesu de 1735 cedido generosamente por la Stradivari Society.

Program Notes by Daniel Maki

As young people have always done, members of what we have come to call the “millennial” generation have already made their impression on the world in many ways, and the field of music is no exception. Jessie Montgomery, for example, began to attract attention when she was in her early twenties and today enjoys a remarkably successful career as composer, violinist, and teacher. She has come by her success honestly: she was born to a musician father who operated a studio on the Lower East Side of Manhattan and an actress mother, both of whom exposed her to a wide variety of artistic and social ideas at a time when that neighborhood was a hotbed of social and artistic experiment. She went on to obtain a degree in violin performance at the Juilliard School and an advanced degree in Film and Multimedia Composition from New York University. All these factors have influenced her work, which combines rigorous classical training with elements of jazz, vernacular music, and improvisation, as well as a commitment to social awareness.

As a violinist, she has been a member of several string quartets and has performed with the Silkroad Ensemble, founded by Yo-Yo Ma. As composer, her work is being performed by many major ensembles and she has won numerous grants and awards, including the Leonard Bernstein Award from the ASCAP Foundation. In 2021 she was named Composer-in-Residence of the Chicago Symphony Orchestra.

One of her most important associations has been with the Sphinx Organization, a social justice organization based in Detroit which is dedicated to the development of young black and Latino classical musicians, and which she joined as a teenager. Starburst was written for the Sphinx Virtuosi, a touring chamber orchestra that premiered the work in 2012. This 3- minute work was designed as a kind of opening fanfare, a function which it performs brilliantly, creating a sense of energy and whetting the appetite for what is yet to come.

Written for string orchestra, Starburst capitalizes on all the many techniques that this versatile section of the orchestra is capable of, frequently dividing the players into smaller groups to create a large variety of gestures and textures.

The following are the composer’s own program notes:

This brief one-movement work for string orchestra is a play on rapidly changing musical colors. Exploding gestures are juxtaposed with gentle fleeting melodies in an attempt to create a multidimensional soundscape. A common definition of a starburst, “the rapid formation of large numbers of new stars in a galaxy at a rate high enough to alter the structure of the galaxy significantly”, lends itself almost literally to the nature of the performing ensemble that premiered the work, the Sphinx Virtuosi, and I wrote the piece with their dynamic in mind.

The concerto form, with its exploitation of a wide variety of instrumental effects, demands of a composer a particularly intimate knowledge of the featured solo instrument. Some composers have solved the problem by writing only for instruments that they themselves play well, while others have collaborated with a particular performer. One of the most successful such collaborations in music history was the one between Felix Mendelssohn and Ferdinand David.

Mendelssohn himself was a passable violinist and had, at the age of thirteen, already written a violin concerto. (It is seldom performed and should not be confused with the Mendelssohn concerto heard today.) When Mendelssohn conceived the idea of writing a mature concerto, however, it would be with considerable assistance from David.

David was both close friend and distinguished colleague of the composer, serving as concertmaster of the Leipzig Gewandhaus Orchestra under Mendelssohn’s direction and later becoming teacher of violin at the Leipzig Conservatory which Mendelssohn founded. Although Mendelssohn wrote to his friend in 1838 that “I would like to write a violin concerto for you next winter” the gestation period turned out to be much longer. It was not until he was on holiday in September of 1844 that he began to put the work into its final form while frequently consulting David on many technical details.

The fruit of their labor was first displayed in Leipzig at a concert in March of 1845 with David performing the solo part to great acclaim. The concerto proved to be Mendelssohn’s last great work and has ever since occupied its own special place in the repertoire. While not aspiring to the heaven-storming profundity of the Brahms Concerto, say, Mendelssohn’s has always charmed audiences and performers alike with its elegance and sweetness.  In the words of Joseph Joachim, one of the leading violinists of the late nineteenth century and, incidentally, Ferdinand David’s most distinguished pupil, of all the major German violin concertos, “the most inward, the heart’s jewel is Mendelssohn’s.”

Although Mendelssohn is generally considered a conservative composer with a strong allegiance to Classical models, the Violin Concerto departs in a number of ways from the concertos of Mozart’s time. Unlike the earlier practice of the so-called “double exposition”, in which the principal themes are first introduced in the orchestra alone and then given to the soloist, Mendelssohn introduces the soloist almost immediately. In another departure, the cadenza in the first movement, much of which was provided by David, was actually written out rather than improvised by the performer. Furthermore, it appears earlier in the movement than was customary in order to be better integrated into the overall form.

The idea of joining movements would become common throughout the nineteenth century, but was still relatively unusual in the 1840’s. The famous bassoon note which hangs on obstinately at the end of the first movement is thus due not to mutiny in the woodwind section but rather to this new way of achieving artistic unity. The exquisite song-like slow movement is itself connected to the third movement by a short but beautifully written bridge section. After the more serious first two movements, this transition perfectly prepares us for the whirlwind virtuosity of the finale, which is not in E minor but in a light-hearted E major. This is not the empty virtuosity heard in some nineteenth century concertos, which treat the artist as a kind of circus performer with a large bag of tricks. Here, virtuosity and musical substance are in perfect balance. 

To most concertgoers the word “symphony” probably brings to mind a work of hefty proportions which exudes a certain requisite high level of gravitas. The extreme examples of the type would be the immense, sprawling symphonies of Anton Bruckner and Gustav Mahler, written in the second half of the nineteenth and the beginning of the twentieth centuries. Bruckner, after having dedicated symphonies to such worthies as king Ludwig of Bavaria and Emperor Franz Joseph of Austria, dedicated his last one to none other than God Himself. Mahler said that a symphony should be “a world” and should “embrace everything”.  No shrinking violets, these late Romantics. They took their symphonies very seriously indeed.

Symphonies were not always thus. The earliest symphonies were written in the middle of the eighteenth century as relatively short works intended as light entertainment. They were performed at various public events such as banquets, operas (between acts), and on concerts where the more important fare was considered to be concertos or vocal music. Only gradually did symphonies gain sufficient respect to be considered an important musical event in their own right. In Mozart’s case, for example, it was not until his late great symphonies, written in the 1780’s, that we begin to sense the weight commonly associated with the genre.

The most important single milestone along the symphony’s journey from divertissement to Big Metaphysical Statement was certainly the work which Beethoven himself called Sinfonia eroica. (“Heroic Symphony”). At the first performances in 1805, the audience was sharply divided between those who were amazed at its originality and those who found it chaotic and inordinately long. Both factions knew that this was a symphony unlike any heard before.

To those of us of a certain age who still measure music in terms of long- playing records, the Eroica is known as the earliest symphony in the repertoire to require both sides of an LP. The Eroica is not merely longer than previous symphonies, however, but speaks with a musical language of unprecedented force. Such emotional intensity was necessary for a work which, unlike the symphonies of Haydn and Mozart, was clearly intended to make a political statement. Although details may have been distorted, the famous story of the origins of the Eroica is for the most part true and well documented.  Beethoven had intended the work to be a “Bonaparte Symphony” as an homage to the man who represented the ideals of the French Revolution. When he heard that Napoleon had crowned himself Emperor, however, Beethoven scratched out the title with such force as to leave a hole in the title page. His liberalism thus offended, Beethoven would change his dedication from Napoleon in particular to an heroic man in the abstract. The eventual title was to be Sinfonia eroica, Composed to Celebrate the Memory of a Great Man.  

Beethoven immediately sets the heroic tone with two startling introductory chords followed by the militaristic opening theme, which is actually a horn call. Innumerable original touches occur throughout the movement, including ferocious accents on normally unaccented beats, dramatic dissonances, and the famous “false recapitulation” ,  where the horn enters with the opening theme four bars too soon. Instead of a conventional slow second movement, Beethoven gives us the famous Funeral March, an epic outpouring of grief which acquires added grandeur in the middle of the movement with a magnificent evocation of the old fugal style.

For the third movement Beethoven has banished the old aristocratic minuet used by Haydn and Mozart and substituted one of his symphonic trademarks, a scherzo of tremendous energy. The finale is a large set of variations which has almost as much weight as the first movement. Incidentally, although precedents did exist, the idea of the grand finale was relatively new and would be carried to even greater lengths in some of Beethoven’s later symphonies.

Finally, the Eroica would seem to be the result of a unique confluence of forces. In addition to the political influences of this turbulent period of European history, Beethoven had just passed through a grave personal crisis during which he wrestled with thoughts of suicide before coming to terms with his growing deafness and his mission as an artist. Both of these influences probably found expression in the wonderfully flexible High Viennese style which had been perfected by Haydn and Mozart and which Beethoven stretched, pulled, and pounded to meet his own needs. Symphonies would never be the same.

Notas del Programa Por: Daniel Maki

Como siempre han hecho los jóvenes, los miembros de lo que hemos llegado a llamar la generación “millennial” ya han dejado su huella en el mundo de muchas maneras, y el campo de la música no es una excepción. Jessie Montgomery, por ejemplo, comenzó a llamar la atención cuando tenía poco más de veinte años y hoy disfruta de una carrera notablemente exitosa como compositora, violinista y maestra. Honestamente, ha llegado gracias a su éxito: nació de un padre músico que operaba un estudio en el Lower East Side de Manhattan y una madre actriz, quienes la expusieron a una amplia variedad de ideas artísticas y sociales en un momento en que ese El barrio fue un hervidero de experimentación social y artística. Luego obtuvo un título en interpretación de violín en la Juilliard School y un título avanzado en Composición de Cine y Multimedia de la Universidad de Nueva York. Todos estos factores han influido en su obra, que combina una rigurosa formación clásica con elementos de jazz, música vernácula e improvisación, así como una apuesta por la conciencia social.

Como violinista, ha sido miembro de varios cuartetos de cuerda y ha actuado con el Silkroad Ensemble, fundado por Yo-Yo Ma. Como compositora, su trabajo está siendo interpretado por muchos conjuntos importantes y ha ganado numerosas becas y premios, incluido el Premio Leonard Bernstein de la Fundación ASCAP. En 2021 fue nombrada Compositora en Residencia de la Orquesta Sinfónica de Chicago.

Una de sus asociaciones más importantes ha sido con la Organización Sphinx, una organización de justicia social con sede en Detroit que se dedica al desarrollo de jóvenes músicos clásicos negros y latinos, y a la que se unió cuando era adolescente. Starburst fue escrita para Sphinx Virtuosi, una orquesta de cámara itinerante que estrenó la obra en 2012. Esta obra de 3 minutos fue diseñada como una especie de fanfarria de apertura, una función que realiza de manera brillante, creando una sensación de energía y despertando el apetito por la música. lo que está por venir.

Escrito para orquesta de cuerdas, Starburst capitaliza todas las técnicas de las que es capaz esta versátil sección de la orquesta, dividiendo frecuentemente a los músicos en grupos más pequeños para crear una gran variedad de gestos y texturas.

Las siguientes son las propias notas del programa del compositor:

Esta breve obra de un solo movimiento para orquesta de cuerdas es una obra de teatro que cambia rápidamente colores musicales. Los gestos explosivos se yuxtaponen con suaves melodías fugaces en un intento de crear un paisaje sonoro multidimensional. Una definición común de estallido estelar, “la rápida formación de un gran número de nuevas estrellas en una galaxia a un ritmo lo suficientemente alto como para alterar significativamente la estructura de la galaxia”, se presta casi literalmente a la naturaleza del conjunto interpretativo que estrenó la obra, la Sphinx Virtuosi, y escribí la pieza con su dinámica en mente.

La forma de concierto, con su explotación de una amplia variedad de efectos instrumentales, exige del compositor un conocimiento particularmente íntimo del instrumento solista presentado. Algunos compositores han resuelto el problema escribiendo solo para instrumentos que ellos mismos tocan bien, mientras que otros han colaborado con un intérprete en particular. Una de las colaboraciones de este tipo más exitosas en la historia de la música fue la de Félix Mendelssohn y Ferdinand David.

El mismo Mendelssohn era un violinista aceptable y, a la edad de trece años, ya había escrito un concierto para violín. (Rara vez se interpreta y no debe confundirse con el concierto de Mendelssohn que se escucha hoy.) Sin embargo, cuando Mendelssohn concibió la idea de escribir un concierto maduro, sería con la ayuda considerable de David. David fue amigo cercano y colega distinguido del compositor, sirviendo como concertino de la Orquesta Gewandhaus de Leipzig bajo la dirección de Mendelssohn y luego se convirtió en profesor de violín en el Conservatorio de Leipzig que fundó Mendelssohn. Aunque Mendelssohn le escribió a su amigo en 1838 que “me gustaría escribir un concierto para violín para ti el próximo invierno”, el período de gestación resultó ser mucho más largo. No fue hasta que estuvo de vacaciones en septiembre de 1844 que comenzó a poner el trabajo en su forma final mientras consultaba con frecuencia a David sobre muchos detalles técnicos.

El fruto de su trabajo se mostró por primera vez en Leipzig en un concierto en marzo de 1845 con David interpretando la parte solista con gran éxito. El concierto resultó ser la última gran obra de Mendelssohn y desde entonces ha ocupado un lugar especial en el repertorio. Si bien no aspira a la profundidad arrolladora del Concierto de Brahms, por ejemplo, el de Mendelssohn siempre ha cautivado tanto al público como a los intérpretes con su elegancia y dulzura. En palabras de Joseph Joachim, uno de los principales violinistas de finales del siglo XIX y, por cierto, el alumno más distinguido de Ferdinand David, de todos los grandes conciertos para violín alemanes, “el más íntimo, la joya del corazón es el de Mendelssohn”.

Aunque Mendelssohn generalmente se considera un compositor conservador con una fuerte lealtad a los modelos clásicos, el Concierto para violín se aparta en varios aspectos de los conciertos de la época de Mozart. A diferencia de la práctica anterior de la llamada “doble exposición”, en la que los temas principales se presentan primero solo en la orquesta y luego se entregan al solista, Mendelssohn presenta al solista casi de inmediato. En otra desviación, la cadencia en el primer movimiento, gran parte de la cual fue proporcionada por David, en realidad fue escrita en lugar de improvisada por el intérprete. Además, aparece antes en el movimiento de lo habitual para integrarse mejor en la forma general.

La idea de unir movimientos se volvería común a lo largo del siglo XIX, pero todavía era relativamente inusual en la década de 1840. La famosa nota de fagot que persiste obstinadamente al final del primer movimiento no se debe, por lo tanto, a un motín en la sección de vientos de madera, sino a esta nueva forma de lograr la unidad artística. El exquisito movimiento lento similar a una canción está conectado al tercer movimiento por una sección de puente corta pero bellamente escrita. Después de los dos primeros movimientos más serios, esta transición nos prepara perfectamente para el virtuosismo torbellino del final, que no está en mi menor sino en un mi mayor alegre. No se trata del virtuosismo vacío que se escucha en algunos conciertos del siglo XIX, que tratan al artista como una especie de artista de circo con una gran bolsa de trucos. Aquí, el virtuosismo y la sustancia musical están en perfecto equilibrio.

Para la mayoría de los asistentes al concierto, la palabra “sinfonía” probablemente les trae a la mente una obra de grandes proporciones que exuda un cierto alto nivel de seriedad necesario. Los ejemplos extremos de este tipo serían las inmensas y extensas sinfonías de Anton Bruckner y Gustav Mahler, escritas en la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX. Bruckner, después de haber dedicado sinfonías a personajes tan ilustres como el rey Luis de Baviera y el emperador Francisco José de Austria, dedicó la última a nada menos que a Dios mismo. Mahler dijo que una sinfonía debería ser “un mundo” y debería “abrazarlo todo”. No hay violetas que se encojan, estos románticos tardíos. Se tomaron muy en serio sus sinfonías.

Las sinfonías no siempre fueron así. Las primeras sinfonías se escribieron a mediados del siglo XVIII como obras relativamente cortas destinadas a un entretenimiento ligero. Se realizaron en varios eventos públicos como banquetes, óperas (entre actos) y en conciertos donde se consideraba que la tarifa más importante eran los conciertos o la música vocal. Solo gradualmente las sinfonías ganaron el respeto suficiente para ser consideradas un evento musical importante por derecho propio. En el caso de Mozart, por ejemplo, no fue hasta sus últimas grandes sinfonías, escritas en la década de 1780, que comenzamos a sentir el peso comúnmente asociado con el género.

El hito individual más importante a lo largo del viaje de la sinfonía desde el divertimento hasta la Gran Declaración Metafísica fue sin duda la obra que el propio Beethoven llamó Sinfonia eroica. (“Sinfonía Heroica”). En las primeras representaciones en 1805, el público se dividió marcadamente entre los que estaban asombrados por su originalidad y los que la encontraban caótica y excesivamente larga. Ambas facciones sabían que esta era una sinfonía diferente a cualquier otra escuchada antes.

Para aquellos de nosotros de cierta edad que todavía miden la música en términos de discos de larga duración, la Eroica es conocida como la primera sinfonía del repertorio que requiere las dos caras de un LP. Sin embargo, la Eroica no es simplemente más larga que las sinfonías anteriores, sino que habla con un lenguaje musical de una fuerza sin precedentes. Tal intensidad emocional era necesaria para una obra que, a diferencia de las sinfonías de Haydn y Mozart, estaba claramente destinada a hacer una declaración política. Aunque los detalles pueden haber sido distorsionados, la famosa historia de los orígenes de la Eroica es en su mayor parte verdadera y bien documentada. Beethoven pretendía que la obra fuera una “Sinfonía de Bonaparte” como homenaje al hombre que representó los ideales de la Revolución Francesa. Sin embargo, cuando escuchó que Napoleón se había coronado Emperador, Beethoven borró el título con tanta fuerza que dejó un agujero en la portada. Ofendido así su liberalismo, Beethoven cambiaría su dedicación de Napoleón en particular a un hombre heroico en abstracto. El título final sería Sinfonia eroica, compuesta para celebrar la memoria de un gran hombre.

Beethoven inmediatamente establece el tono heroico con dos sorprendentes acordes introductorios seguidos por el tema de apertura militarista, que en realidad es una llamada de trompeta. Innumerables toques originales ocurren a lo largo del movimiento, incluidos acentos feroces en tiempos normalmente sin acento, disonancias dramáticas y la famosa “falsa recapitulación”, donde la trompeta entra con el tema de apertura cuatro compases demasiado pronto. En lugar de un segundo movimiento lento convencional, Beethoven nos ofrece la famosa Marcha Fúnebre, una épica efusión de dolor que adquiere una grandiosidad añadida en medio del movimiento con una magnífica evocación del antiguo estilo de fuga.

Para el tercer movimiento, Beethoven ha desterrado el viejo minueto aristocrático utilizado por Haydn y Mozart y lo ha sustituido por una de sus marcas sinfónicas, un scherzo de tremenda energía. El finale es un gran conjunto de variaciones que tiene casi tanto peso como el primer movimiento. Por cierto, aunque existían precedentes, la idea del gran final era relativamente nueva y se llevaría aún más lejos en algunas de las sinfonías posteriores de Beethoven. Finalmente, la Eroica parecería ser el resultado de una singular confluencia de fuerzas. Además de las influencias políticas de este turbulento período de la historia europea, Beethoven acababa de pasar por una grave crisis personal durante la cual luchó con pensamientos suicidas antes de aceptar su creciente sordera y su misión como artista. Ambas influencias probablemente encontraron expresión en el estilo alto vienés maravillosamente flexible que había sido perfeccionado por Haydn y Mozart y que Beethoven estiró, tiró y golpeó para satisfacer sus propias necesidades. Las sinfonías nunca volverían a ser las mismas.