
Old American Songs
Saturday, April 2, 2022 at 7:30 pm
Sunday, April 3, 2022 at 3:00 pm
Hemmens Cultural Center, Elgin, IL
Sorry, tickets to this experience are no longer available.
Concert Program
José Luis Gomez, conductor
Ryan Speedo Green, bass-baritone
Barber: Overture to The School for Scandal
Copland: Old American Songs
Dvořák: Symphony No. 9 in E minor, op.95, “From the New World”
Join us for a Pre-Concert Chat 1-hour before the performance. (6:30 pm Saturday/2:00 pm Sunday)

Ticket Information
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Prices: Gold $65 / Red $50 / Green $35
Students & Youth $10
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Health and Safety
The ESO is thrilled to return to the stage for an exciting 2021-2022 season! We look forward to welcoming you back to enjoy live performances with your Elgin Symphony Orchestra.
The health and safety of our musicians, staff, and you are paramount as we resume live concert experiences. As such, we have established the following policies in accordance with CDC and State of Illinois guidelines to best protect everyone who enters the concert hall:
- All audience members must provide proof of complete vaccination for COVID-19 prior to entering the concert venue, regardless if these were previously shown or submitted.
- Please bring your COVID-19 vaccination record to the performance (photos of both sides of the record are also accepted), as well as photo Identification.
- Masks are recommended but optional for concert attendees at the Hemmens Cultural Center.
- Tickets will be on sale at the Hemmens Cultural Center one-hour prior to each performance. However, to be mindful of the safety concerns surrounding COVID-19, we encourage that our patrons purchase tickets in advance to prevent crowding within the venue.
- Pre-purchased tickets may be collected at Will Call on the day of the concert. Tickets purchased online the day of the concert will require proof of purchase.
We look forward to welcoming you back for a wonderful season of great music. If you have any questions, please contact our Box Office at 847-888-4000.
Jose Luis Gomez
The Venezuelan-born, Spanish conductor José Luis Gomez began his musical career as a violinist butwas catapulted to international attention when he won First Prize at the International Sir Georg Solti Conductor’s Competition in Frankfurt in September 2010, securing a sensational and rare unanimous decision from the jury.
Gomez’s electrifying energy, talent and creativity earned him immediate acclaim from the Frankfurt Radio Symphony Orchestra where he was appointed to the position of Assistant Conductor, a post created especially for him by Paavo Jarvi and the orchestra directly upon the conclusion of the competition.
In 2016, Gomez was named Music Director of the Tucson Symphony Orchestra. Since taking the helm, the orchestra has seen a marked increase in subscribers and donors to the orchestra and Gomez has worked tirelessly to introduce innovative and exciting new outreach activities whilst continuing to nurture and support existing education projects. For example the unique Young Composers’ Project which sees students new to composing working closely with orchestra representatives to create new compositions, culminating in a public performance and recording. Maestro Gomez is also a champion of many lesser-known composers from South America, programming their works sensitively with more recognised classical names, creating hugely interesting and unique concerts. He has also been responsible for commissioning new works, for example he and the orchestra were co-commissioners of a new concerto for orchestra and trumpet by Arturo Marquez which was given its US premier under Gomez’s baton in 2019.
The 19/20 and 20/21 seasons in Tucson will see Gomez conduct the complete Beethoven’s Symphonies and selected Concertos in a celebration of the composers works in his anniversary year, and additionally in the 19/20 season he will conduct Mahler’s Symphony No. 2, a selection of works by Rossini with rising star Federica Lombardi, the world premiere of Lopez-Hanshaw’s vokas animo for Orchestra and Chorus, and a gala evening with Renée Fleming. In past seasons Gomez has invited and enjoyed working with such artists as Yo-Yo Ma, Midori, Barry Douglas, Vadym Kholodenko and Gil Shaham. In The Americas he enjoys a close relationship with the Edmonton Symphony Orchestra, and has also worked with such orchestras as the Houston Symphony, National Arts Centre Orchestra of Ottawa, Vancouver, Colorado, Grand Rapids, Winnipeg, and Alabama Symphonies, the Chamber Orchestra of San Antonio, Rochester & Louisiana Philharmonics, Pasadena, Elgin, and he made his debut at Carnegie Hall with YPhil Youth International Philharmonic. Further south, he has worked with Orquestra Sinfonica Brasileira, Bogota Philharmonic Orchestra and Orquesta Nacional de Peru.
He has worked extensively at home in Europe with such orchestras as RTVE National Symphony Orchestra of Madrid, Weimar Staatskapelle Orchestra, Royal Scottish National Orchestra, Royal Liverpool Philharmonic, Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, Hamburg Symphony, Karlsruhe Staatstheatre Orchestra, Basel Sinfonietta, Orquesta Sinfonica do Porto, Castilla y Leon, Pomeriggi Musicali di Milano, Sinfonia Varsovia, SWR Radio Sinfonie-orchester Stuttgart, Orquesta Sinfónica de Tenerife, and in 2019 he made a very successful debut with Komische Oper Berlin with Gabriela Montero as soloist.
In Australasia he has worked with the Macau Orchestra and Nemanja Radulovic, New Zealand Symphony, Australian National Academy of Music in a Celebration of Bernstein, the Dunedin Symphony Orchestra, the National Taiwan Symphony Orchestra, the Daegu Symphony Orchestra, as well as conducting and curating the programme for the inaugural year of the Solasian Youth Orchestra at the Daegu Festival.
At the end of the 19/20 season he will make his debut with the Oslo Philharmonic. He will also embark on an extensive tour of the UK with the Flanders Symphony Orchestra with Milos Karadaglic as soloist. Another debut will take him to California to work with the Pacific Symphony and Joyce Yang, and he will also work with both the Malaga Filharmonica and the Phoenix Symphony for the first time.
Other memorable performances included debuts with the Moscow State Conservatory, the widely televised New Year’s Eve concert in Sofia, and with the Frankfurt Radio Symphony Orchestra in their New Year concerts.
Opera highlights have included La Bohème at Frankfurt Opera and a new production of Rossini’s La Cenerentola at Stuttgart Opera, of which he also conducted the revival in the following season, La Forza del Destino in Tokyo with the New National Theatre, Don Carlo and Norma at The State Opera in Tbilisi, Georgia, La Traviata in concert with Sacramento Philharmonic Orchestra, Le Nozze di Figaro and Don Giovanni with Teatro Sociale di Como, with whom he also closed their season with a spectacular production of Cavalleria Rusticana.
He has also featured with the Colorado Symphony Orchestra, recording Bela Fleck’s Second Concerto for Banjo and Orchestra “Juno Concerto“, and conducted the MGD CD release of the Nielson, Francaix and Debussy Clarinet Concertos with talented young clarinettist Vladimir Soltan and the Hamburg Symphony Orchestra.
Maestro Gomez was the principal conductor of the Orchestra 1813 Teatro Sociale di Como between 2012 and 2015 where he curated a new symphonic season, which resulted in a new and enthusiastic audience, conducting concerts to full houses. He is Musical Director of the Tucson Symphony Orchestra where his contract has been extended to the end of the 23/24 season.
For more information: https://imgartists.com/roster/jose-luis-gomez
José Luis Gomez
El director de orquesta español nacido en Venezuela, José Luis Gómez, comenzó su carrera musical como violinista, pero fue catapultado a la atención internacional cuando ganó el Primer Premio en el Concurso Internacional de Directores Sir Georg Solti en Frankfurt en septiembre de 2010, asegurando una sensacional y rara decisión unánime de el jurado.
La energía, el talento y la creatividad electrizantes de Gómez le valieron el reconocimiento inmediato de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt, donde fue designado para el puesto de Director Asistente, un puesto creado especialmente para él por Paavo Jarvi y la orquesta inmediatamente después de la conclusión de la competencia.
En 2016, Gómez fue nombrada directora musical de la Orquesta Sinfónica de Tucson. Desde que asumió el timón, la orquesta ha visto un marcado aumento de suscriptores y donantes a la orquesta y Gómez ha trabajado incansablemente para introducir nuevas actividades de divulgación innovadoras y emocionantes mientras continúa fomentando y apoyando los proyectos educativos existentes. Por ejemplo, el exclusivo Proyecto de Jóvenes Compositores en el que los estudiantes nuevos en la composición trabajan en estrecha colaboración con los representantes de la orquesta para crear nuevas composiciones, que culminan en una interpretación pública y una grabación. El maestro Gómez también es un campeón de muchos compositores menos conocidos de América del Sur, programando sus obras con sensibilidad con nombres clásicos más reconocidos, creando conciertos únicos y muy interesantes. También ha sido responsable de encargar nuevas obras, por ejemplo, él y la orquesta fueron co-comisarios de un nuevo concierto para orquesta y trompeta de Arturo Márquez, que se estrenó en Estados Unidos bajo la batuta de Gómez en 2019.
Las temporadas 19/20 y 20/21 en Tucson verán a Gómez dirigir las Sinfonías completas de Beethoven y Conciertos seleccionados en una celebración de las obras del compositor en el año de su aniversario, y además en la temporada 19/20 dirigirá la Sinfonía No. 2 de Mahler. , una selección de obras de Rossini con la estrella emergente Federica Lombardi, el estreno mundial de Vokas animo para orquesta y coro de López-Hanshaw y una velada de gala con Renée Fleming. En temporadas pasadas, Gómez ha invitado y disfrutado trabajando con artistas como Yo-Yo Ma, Midori, Barry Douglas, Vadym Kholodenko y Gil Shaham.
En las Américas disfruta de una estrecha relación con la Orquesta Sinfónica de Edmonton, y también ha trabajado con orquestas como la Sinfónica de Houston, la Orquesta del Centro Nacional de las Artes de Ottawa, Vancouver, Colorado, Grand Rapids, Winnipeg y las Sinfónicas de Alabama, la Orquesta de Cámara de San Antonio, Rochester & Louisiana Philharmonics, Pasadena, Elgin, e hizo su debut en el Carnegie Hall con YPhil Youth International Philharmonic. Más al sur, ha trabajado con la Orquesta Sinfónica Brasileira, la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Nacional de Perú.
Ha trabajado extensamente en casa en Europa con orquestas como la Orquesta Sinfónica Nacional de RTVE de Madrid, la Orquesta Weimar Staatskapelle, la Real Orquesta Nacional Escocesa, la Filarmónica Real de Liverpool, la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, la Sinfónica de Hamburgo, la Orquesta del Teatro Estatal de Karlsruhe, la Sinfonietta de Basilea, la Orquesta Sinfónica. do Porto, Castilla y Leon, Pomeriggi Musicali di Milano, Sinfonia Varsovia, SWR Radio Sinfonie-orchester Stuttgart, Orquesta Sinfónica de Tenerife, y en 2019 debutó con mucho éxito con la Komische Oper Berlin con Gabriela Montero como solista.
En Australasia ha trabajado con la Orquesta de Macao y Nemanja Radulovic, la Sinfónica de Nueva Zelanda, la Academia Nacional de Música de Australia en una celebración de Bernstein, la Orquesta Sinfónica de Dunedin, la Orquesta Sinfónica Nacional de Taiwán, la Orquesta Sinfónica de Daegu, además de dirigir y comisariar el programa del año inaugural de la Orquesta Juvenil de Solasian en el Festival de Daegu.
En Australasia ha trabajado con la Orquesta de Macao y Nemanja Radulovic, la Sinfónica de Nueva Zelanda, la Academia Nacional de Música de Australia en una celebración de Bernstein, la Orquesta Sinfónica de Dunedin, la Orquesta Sinfónica Nacional de Taiwán, la Orquesta Sinfónica de Daegu , además de dirigir y comisariar el programa del año inaugural de la Orquesta Juvenil de Solasian en el Festival de Daegu.
También se ha presentado con la Orquesta Sinfónica de Colorado, grabando el Segundo Concierto para Banjo y Orquesta de Bela Fleck “Concierto de Juno”, y dirigió el lanzamiento en CD de MGD de los Conciertos para Clarinete de Nielson, Francaix y Debussy con el joven y talentoso clarinetista Vladimir Soltan y la Orquesta Sinfónica de Hamburgo.
El maestro Gómez fue el director principal de la Orquesta 1813 Teatro Sociale di Como entre 2012 y 2015, donde curó una nueva temporada sinfónica, que resultó en una audiencia nueva y entusiasta, dirigiendo conciertos a sala llena. Es Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Tucson donde su contrato ha sido extendido hasta el final de la temporada 23/24.
Para mas información: https://imgartists.com/roster/jose-luis-gomez
Ryan Speedo Green
Grammy Award winning bass-baritone Ryan Speedo Green has quickly established himself as an artist of international demand at the world’s leading opera houses. In the 20/21 season Mr. Green makes his house debut as Jake in Porgy and Bess with Theatre an der Wien, as well as his house debut with Palm Beach Opera singing Colline in La bohème and Sprecher in Die Zauberflöte, both directed by James Robinson and conducted by music director David Stern. Mr. Green also makes his debut with Columbus Opera for a digital residency and broadcast of the stage version of his best-selling book: Sing for Your Life. Concert engagements include appearing as featured soloist with San Diego Symphony for the opening of their new outdoor venue, The Shell, an All Star Concert with Isabel Leonard at Austin Opera, which will be broadcast on Austin PBS, a concert of arias with the Virginia Arts Festival conducted by Virginia Opera music director Adam Turner, Beethoven’s Symphony No. 9 with Tulsa Symphony, and an alumni concert with Wolf Trap Opera. Mr. Green was also the first Artist in Residence for the Texas Opera Alliance, where he held masterclasses and community events for Houston Grand Opera, Dallas Opera, Austin Opera, Fort Worth Opera, and Opera San Antonio.
Mr. Green was scheduled to return to the Metropolitan Opera in the 2020 – 2021 season for four roles, including Ferrando in Il trovatore, Commendatore in a new production of Don Giovanni and Geisterbote in Die Frau Ohne Schatten both of which were scheduled to be conducted by music director Yannick Nézet- Seguin and which were to be broadcast as part of the Met’s Live in HD series. Mr. Green was also scheduled to sing his house and role debut as Rocco in Francesca Zambello’s production of Fidellio with Washington National Opera. Orchestral engagements included a scheduled return to the Mostly Mozart Festival for a staged performance of Mozart’s Requiem, conducted by Louis Langrée, and Beethoven’s Symphony No 9 with Marin Alsop at Carnegie Hall as part of a global “Ode to Joy” celebration of the anniversary of the composer’s birth.
In the fall of 2016, Little, Brown published Sing for Your Life, by New York Times journalist Daniel Bergner. The book tells the story of Mr. Green’s personal and artistic journey: from a trailer park in southeastern Virginia and from time spent in Virginia’s juvenile facility of last resort to the Met stage. The New York Times Book Review called the book “one of the most inspiring stories I’ve come across in a long time,” and the Washington Post called it a “vital, compelling, and highly recommended book.” Sing for your Life has been honored with a number of recognitions including the New York Times bestseller and editor’s choice, a Washington Post Notable Book, and a Publishers Weekly Book of the Year.
Highlights of Mr. Green’s performances at the Metropolitan Opera include his role debut as Jake in James Robinson’s new production of the Gershwin’s Porgy and Bess which won a Grammy Award, Colline in the iconic Zeffirelli production of La bohème, which the New York Times labeled Mr. Green “the real showstopper,” and the New York Observer marked this performance as his “breakthrough as a star.” Additional highlights include the King in Aida, Oroe in Semiramide, Rambo in the premier of The Death of Klinghoffer conducted by David Robertson, the Second Knight in a new production of Parsifal which was broadcast as part of the Met’s Live in HD program, the Bonze in Madama Butterfly, and the Jailer in Tosca. Additional operatic engagements include Ferrando in Il trovatore with Opera de Lille’s traveling production, Third King in Die Liebe der Danae with the Salzburg Festival, his house and role debut as Osmin in the James Robinson production of Die Entführung aus dem Serail at Houston Grand Opera, as well as his house and role debut as Escamillo in Carmen with Opera San Antonio.
At the Wiener Staatsoper, Mr. Green has been seen as Fasolt in Das Rheingold, Don Basilio in Il Barbiere di Siviglia, Varlaam in Boris Godunov, Ferrando in Trovatore, Raimondo in Lucia di Lammermoor, and Banquo in Macbeth, Sarastro in Die Zauberflöte, Der Einarmige in Die Frau ohne Schatten, Sparafucile in a new production of Rigoletto, Lodovico in Otello, Angelotti in Tosca, Timur in a new production of Turandot, Peneios in Daphne, Fouquier-Tinville in Andrea Chénier, the Monk in Don Carlo, the Pope in Lady Macbeth of Mtsensk, and the King in Aida.
Orchestral appearances include Beethoven’s Ninth Symphony with Los Angeles Philharmonic, conducted by Gustavo Dudamel at the Hollywood Bowl, the Philadelphia Orchestra, the Chicago Symphony Orchestra at the Ravinia Festival, the Florida Symphony and Norwalk Symphony Orchestras.
Additional appearances include his debut with the Mostly Mozart Festival singing Mozart’s Requiem with Louis Langrée, appearances with Tanglewood Festival for Verdi’s Requiem with the Tanglewood Music Festival conducted by Andris Nelsons, and Walton’s Belshazzar’s Feast with Bramwell Tovey conducting the Boston Symphony Orchestra, his debut with the Brevard Music Festival singing Verdi’s Requiem, Strauss’s Daphne with the Cleveland Orchestra conducted by music director Franz Welser-Möst, his debut with the Boston Symphony Orchestra as the Second Soldier in Salome under the baton of Andris Nelsons, Mahler’s Symphony No 8 with the Ravinia Festival conducted by Marin Alsop, an appearance with the Chamber Music Society of Lincoln Center for Bach’s Ich habe genug with the Orion String Quartet, and Mozart’s Coronation Mass with the Virginia Symphony.
Recital engagements include his debut at the Ravinia Festival with pianist Adam Nielsen, at the Terrace Theatre at the Kennedy Center as winner of the Marian Anderson Vocal Award from Washington National Opera, with the George London Foundation at the Morgan Library in New York, accompanied by Ken Noda, with Dayton Opera at the Schuster Performing Arts Center, and a recital and residency at the Torggler Summer Vocal Institute at Christopher Newport University in his native Virginia.
Honors and awards include National Grand Finals winner of the 2011 Metropolitan Opera National Council Auditions, a 2014 George London Foundation Award, a 2014 Annenberg grant recipient, a 2014 Gerda Lissner Foundation First Prize winner, both the Richard and Sara Tucker Grants from the Richard Tucker Foundation, and a finalist in the Palm Beach Opera Competition.
A native of Suffolk, Virginia, Mr. Green received a Master of Music degree from Florida State University, a Bachelor of Music degree from the Hartt School of Music, and was a member of the Metropolitan Opera Lindemann Young Artist Development Program.
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El barítono bajo ganador del premio Grammy, Ryan Speedo Green, se ha establecido rápidamente como un artista de demanda internacional en los principales teatros de ópera del mundo. En la temporada 2020-2021, el Sr. Green hace su debut en la casa como Jake en Porgy and Bess con Theatre an der Wien, así como su debut en la casa con Palm Beach Opera cantando Colline en La bohème y Sprecher en Die Zauberflöte, ambos dirigidos por James. Robinson y dirigida por el director musical David Stern. Mr. Green también hace su debut con Columbus Opera para una residencia digital y transmisión de la versión teatral de su libro más vendido: Sing for Your Life. Los compromisos de conciertos incluyen aparecer como solista destacado con la Sinfónica de San Diego para la apertura de su nuevo lugar al aire libre, The Shell, un concierto All Star con Isabel Leonard en Austin Opera, que se transmitirá en Austin PBS, un concierto de arias con Virginia Arts Festival dirigido por el director musical de la Ópera de Virginia, Adam Turner, la Sinfonía número 9 de Beethoven con la Sinfónica de Tulsa y un concierto de exalumnos con Wolf Trap Opera. El Sr. Green también fue el primer artista residente de Texas Opera Alliance, donde impartió clases magistrales y eventos comunitarios para Houston Grand Opera, Dallas Opera, Austin Opera, Fort Worth Opera y Opera San Antonio.
El Sr. Green estaba programado para regresar a la Ópera Metropolitana en la temporada 2020-2021 para cuatro papeles, incluido Ferrando en Il trovatore, Commendatore en una nueva producción de Don Giovanni y Geisterbote en Die Frau Ohne Schatten, ambos programados para ser realizados. del director musical Yannick Nézet-Seguin y que iban a ser emitidos como parte de la serie Met’s Live in HD. El Sr. Green también estaba programado para cantar su casa y debutar en el papel de Rocco en la producción de Fidellio de Francesca Zambello con la Ópera Nacional de Washington. Los compromisos orquestales incluyeron un regreso programado al Mostly Festival Mozart para una interpretación escénica del Réquiem de Mozart, dirigida por Louis Langrée, y la Sinfonía n.º 9 de Beethoven con Marin Alsop en el Carnegie Hall como parte de una celebración mundial de “Himno a la alegría” del aniversario de el nacimiento del compositor.
En el otoño de 2016, Little, Brown publicó Sing for Your Life, del periodista del New York Times Daniel Bergner. El libro cuenta la historia del viaje personal y artístico del Sr. Green: desde un parque de casas rodantes en el sureste de Virginia y desde el tiempo que pasó en el centro juvenil de último recurso de Virginia hasta el escenario del Met. The New York Times Book Review calificó el libro como “una de las historias más inspiradoras con las que me he encontrado en mucho tiempo”, y el Washington Post lo calificó como un “libro vital, convincente y muy recomendable”. Sing for your Life ha sido honrado con una serie de reconocimientos, incluido el de bestseller y elección del editor del New York Times, un libro notable del Washington Post y un libro del año de Publishers Weekly.
Los aspectos más destacados de las actuaciones de Mr. Green en el Metropolitan Opera incluyen su debut como Jake en la nueva producción de Porgy and Bess de Gershwin de James Robinson, que ganó un premio Grammy, Colline en la icónica producción de Zeffirelli de La bohème, que el New York Times denominó Mr. Green “el verdadero sensacional”, y el New York Observer marcó esta actuación como su “avance como estrella”. Otros aspectos destacados incluyen el Rey en Aida, Oroe en Semiramide, Rambo en el estreno de La muerte de Klinghoffer dirigida por David Robertson, el Segundo Caballero en una nueva producción de Parsifal que se transmitió como parte del programa Met’s Live in HD, el Bonzo en Madama Butterfly, y el Carcelero en Tosca. Compromisos operísticos adicionales incluyen Ferrando en Il trovatore con la producción itinerante de Opera de Lille, Third King en Die Liebe der Danae con el Festival de Salzburgo, su casa y debut como Osmin en la producción de James Robinson de Die Entführung aus dem Serail en Houston Grand Opera, así como su debut en casa y papel como Escamillo en Carmen con Opera San Antonio.
En la Wiener Staatsoper, Mr. Green ha sido visto como Fasolt en Das Rheingold, Don Basilio en Il Barbiere di Siviglia, Varlaam en Boris Godunov, Ferrando en Trovatore, Raimondo en Lucia di Lammermoor y Banquo en Macbeth, Sarastro en Die Zauberflöte, Der Einarmige en Die Frau ohne Schatten, Sparafucile en una nueva producción de Rigoletto, Lodovico en Otello, Angelotti en Tosca, Timur en una nueva producción de Turandot, Peneios en Daphne, Fouquier-Tinville en Andrea Chénier, el Monje en Don Carlo, el Papa en Lady Macbeth de Mtsensk, y el Rey en Aida.
Las apariciones orquestales incluyen la Novena Sinfonía de Beethoven con la Filarmónica de Los Ángeles, dirigida por Gustavo Dudamel en el Hollywood Bowl, la Orquesta de Filadelfia, la Orquesta Sinfónica de Chicago en el Festival de Ravinia, la Orquesta Sinfónica de Florida y la Orquesta Sinfónica de Norwalk.
Apariciones adicionales incluyen su debut con el Mostly Festival Mozart cantando el Réquiem de Mozart con Louis Langrée, apariciones con el Festival Tanglewood para el Réquiem de Verdi con el Festival de Música Tanglewood dirigido por Andris Nelsons, y Belshazzar’s Feast de Walton con Bramwell Tovey dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Boston, su debut con el Festival de Música de Brevard cantando el Réquiem de Verdi, Daphne de Strauss con la Orquesta de Cleveland dirigida por el director musical Franz Welser-Möst, su debut con la Orquesta Sinfónica de Boston como el Segundo Soldado en Salomé bajo la batuta de Andris Nelsons, la Sinfonía n.º 8 de Mahler con la Ravinia Festival dirigido por Marin Alsop, aparición con la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center para Ich habe genug de Bach con el Cuarteto de Cuerdas Orion, y la Misa de Coronación de Mozart con la Sinfónica de Virginia.
Los compromisos de recitales incluyen su debut en el Festival Ravinia con el pianista Adam Nielsen, en el Terrace Theatre del Kennedy Center como ganador del Premio Vocal Marian Anderson de la Ópera Nacional de Washington, con la Fundación George London en la Biblioteca Morgan de Nueva York, acompañado por Ken Noda, con la Ópera de Dayton en el Centro de Artes Escénicas Schuster, y un recital y residencia en el Instituto Vocal de Verano Torggler en la Universidad Christopher Newport en su Virginia natal.
Los honores y premios incluyen el ganador de la Gran Final Nacional de las Audiciones del Consejo Nacional de la Ópera Metropolitana de 2011, un Premio de la Fundación George London de 2014, un ganador de la subvención Annenberg de 2014, un ganador del Primer Premio de la Fundación Gerda Lissner de 2014, las Becas Richard y Sara Tucker de Richard Tucker Foundation, y finalista en el Concurso de Ópera de Palm Beach.
Nacido en Suffolk, Virginia, el Sr. Green recibió una Maestría en Música de la Universidad Estatal de Florida, una Licenciatura en Música de la Escuela de Música Hartt y fue miembro del Programa de Desarrollo de Artistas Jóvenes Lindemann de la Ópera Metropolitana.
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Program Notes
By Daniel Maki
Although precocity is no guarantee of later success, it is conventional wisdom that most good musicians demonstrate their bent early in life. Such certainly was the case with Samuel Barber, who began to compose at the age of seven, entered the newly founded Curtis Institute of Music in Philadelphia at fourteen, and by the time he had left the school had already written two works which are now part of the standard repertoire.
The Overture to The School for Scandal was written in 1931 when the composer was still a student. This effervescent work is in no sense a student effort, however, but clearly the work of a confident artist who has already discovered his own voice. It was intended for no actual performance of Richard Brinsley Sheridan’s eighteenth century comedy of manners, but simply tries to capture the satirical spirit of the play.
Although the musical language is clearly modern, the spirit of the work is reminiscent of the sort of opera buffa hanky-panky heard in Mozart’s Figaro or Rossini’s Barber of Seville. A raucous fanfare –like introduction sets the tone with something that sounds like sneering laughter. One commentator has suggested that this might be specifically a reference to Lady Sneerwell, the chief character who is a mistress of scandal mongering and gossip, aided, incidentally, by characters such Sir Benjamin Backbite.
The principal theme begins quietly, a lilting dance-like theme which perfectly suggests whispered gossip. Then the full orchestra takes it up until the mood changes abruptly for the lovely second theme, played by the oboe. This gentle music clearly suggests something other than malevolence, and might be a reference to Maria, a naïve young lady who is the closest thing to a likeable character in the play. A clarinet solo gradually takes us back to the brisk, jig-like motion of the first theme. After a brief development section the opening portion is repeated, as one might expect in what is a model of eighteenth century sonata form. This time the lyrical second theme is taken by that lower version of the oboe, the English horn. The high jinks conclude with a brief coda, which, though sophisticatedly contrapuntal, is essentially an outburst of eighteenth century laughter.
* * *
Those who know only Aaron Copland’s most popular works might be surprised to know that in his youth he was a determined modernist, exploring the new extreme techniques of the time. His friend Leonard Bernstein has said that when he would play Copland’s youthful Piano Variations at parties he could “empty the room, guaranteed, in two minutes”with its ferocious dissonances and severe intellectuality. At a certain point, Copland decided that he wanted to reach out to a larger audience and so it was that he developed what has been called his “populist” style. In works such as Rodeo, Billy the Kid, and Appalachian Spring, he used a musical language that was rustic to the point of incorporating actual folk songs and yet was in its own way extremely sophisticated and well wrought. This “rustic noble” style somehow captured the American spirit in all its variety as no one else had done and became a kind of unofficial lingo of musical Americana, imitated , incidentally, by countless film and television composers. As composer/critic Virgil Thomson put it, this was “the most distinguished populist music style yet created in America.”
In 1950 Copland compiled a set of five traditional American songs for voice and piano. The premiere took place in England in June of that year, sung by the distinguished English tenor Peter Pears, accompanied by composer Benjamin Britten. The American premiere in December of 1951was sung by the celebrated African-American bass-baritone William Warfield, accompanied by Copland. The success of Set I prompted an immediate sequel: Set II followed in 1952 with a premiere by Messrs.Warfield and Copland in July of 1953. Copland would eventually make the orchestral version heard today and both versions remain extremely popular.
The ten songs provide a broad overview of American life and experience, ranging from minstrel songs like “Ching-a-Ring Chaw” and “The Boatman’s Dance” to the noble sentiment of religious songs such as the Shaker tune “Simple Gifts”, the gospel hymn “At the River”, and the spiritual “Zion’s Walls.” “The Little Horses” is a lullaby, “Long Time Ago” a sentimental love song, and “The Golden Willow Tree” a ballad telling of maritime derring-do. “The Dodger” is a hilarious spoof of human hypocrisy beginning with the political variety and was actually used as a campaign song by Grover Cleveland in the election of 1884 (an election whose nastiness rivals that of our own time). And then there’s “I Bought Me a Cat”, providing golden-voiced opera singers the chance to sound like farm animals.
All the songs are beautifully enhanced by skillful orchestration, sometimes obviously like the banjo imitation of “The Dodger” or the animal noises in “I Bought Me a Cat”, but also in more subtle ways such as the beautiful flute solo which sets the atmosphere at the beginning of “Long Time Ago” or the noble sound of brass in “At the River”. Most of Copland’s sources came from published versions which one might expect used conventional harmonies. Copland’s harmonic language is by no means terrifyingly modernist but is refreshingly unusual, avoiding harmonic clichés and with great skill using dissonances to highlight text.
The musicologist Leon Botstein has said that Copland “helped define the modern consciousness of America’s ideals, character and sense of place.” He somehow managed to do that whether he was writing one of his majestic symphonies, full-length ballets, or setting these familiar tunes that many Americans can hum or whistle.
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“I am convinced that the future music of this country must be founded on what are called Negro melodies. These can be the foundation of a serious and original school of composition in the United States.” That pronouncement was made not by an energetic young American composer who was interested in exploring this country’s ethnic musical roots, but by a fifty-two-year-old composer from Bohemia who had steeped himself for his entire life in the folk music of his native country and had written eight symphonies in the best Central European style. Dvořák’s Ninth (and last) Symphony was his attempt at proving the thesis.
In 1892, at the request of Jeannette Thurber, a wealthy and idealistic patron of the arts, Dvořák came to the United States to take a position as director of the American Conservatory of Music in New York, a school that Ms. Thurber had founded a few years earlier. Although he was reluctant at first, Ms. Thurber’s offer of a generous salary was one that the composer couldn’t refuse. He would stay three years, a period that was generally happy and productive, during which he wrote several of his best-known works despite occasional bouts of homesickness. During the summer of 1893 he was able to assuage his longing for his homeland by living with his fellow countrymen in the Czech community at Spillville, a small town in northeast Iowa where a museum still stands in the house where he lived. It is in that house that he completed the Ninth Symphony.
During his stay, Dvořák eagerly studied what he considered to be American folk music, although he rather cavalierly lumped both Negro spirituals as well as music of American Indians into a single category. (In his defense, it can be said that that the study known as ethno-musicology was not yet an established academic discipline.) His acquaintance with the spirituals that he loved came firsthand through Harry T. Burleigh, an African-American student of Dvořák who became an assistant and close friend. Burleigh would regularly sing spirituals for Dvořák and eventually published his own arrangements which would become standard repertoire. Finding reliable sources of Native American music was more difficult: Buffalo Bill’s Wild West show was not exactly an ethno-musicologist’s dream. Dvořák’s interest in American Indian culture was genuine however: he had read Longfellow’s The Song of Hiawatha decades before in Czech translation and made sincere attempts at writing an opera on the topic at Ms. Thurber’s urging. Although the project never came to fruition, it did leave its mark on the Ninth Symphony, particularly on its second and third movements, which Dvořák scholar Michael Beckerman has called veritable “tone poems” based on The Song of Hiawatha. Incidentally, part of Jeannette Thurber’s generous and idealistic vision was to admit Native American and African-American students into her school, something sadly unusual at the time. As a Czech living in the Austro-Hungarian Empire, Dvořák knew what it meant to be a member of a minority group and strongly supported this mission of the school.
The premiere of this work which the composer said was intended to convey “impressions and greetings from the New World” took place in December of 1893 in Carnegie Hall, which had opened just two years earlier. The event was the greatest public success of the composer’s career and the new symphony was hailed as a masterpiece. At the time of the premiere Dvořák emphasized in an article in the New York Herald that despite the folk like flavor of the material, all themes were his own and not actual folk tunes.
The symphony opens with a slow plaintive introduction which then erupts into a majestic fanfare-like horn call which forms the basis of the dramatic first theme. Two other themes follow, the first a mysterious noodling figure in the low woodwinds which has the rhythm of a polka. The second, a tune heard in the flute, bears a remarkable resemblance to one of Dvořák’s favorite spirituals, “Swing Low, Sweet Chariot.” The themes are developed and then in traditional symphonic style stated again in the recapitulation. A brief dramatic coda closes the movement.
The famous Largo second movement features its soulful melody played by that beautifully expressive woodwind, the English horn. This melody has often been taken for an American folk song, especially because one of Dvořák’s students set it to the words “Goin’ Home.” While many have thought of it as a spiritual or plantation song, the composer himself said it was a reference to Hiawatha, although it is not clear actually what part of the poem is intended. A dramatically melancholy middle section that at times seems to be a kind of funeral march has suggested to some that the reference might be to Minnehaha’s funeral. A dramatic re-statement of the majestic first theme of the first movement marks the end of this middle section and then the opening English horn theme returns.
In the delightful scherzo, the timpani are transformed into tom-toms. According to Dvořák himself, this is a depiction of the dance of Pau-Puk-Keewis at Hiawatha’s wedding. A jovial relaxing middle section adds contrast.
The finale provides a dramatic summary of the work, introducing two new themes, the first another majestic theme heard in the brass and the second a lyrical melody heard in the clarinet. Not content with that material, however, Dvořák also brings back themes from earlier movements. The ending is full of surprises including a change from E minor to a triumphant E major.
Finally, although From the New World has kept its place as one of the most popular symphonies, it has generated its own share of controversy over the years. The issue has not been its artistic effectiveness, it is obviously the work of a master symphonist, but rather its supposed “Americanness”. It is undeniably true that most Czechs very likely hear the piece as a European masterpiece with many folk-like passages that might well be of Slavic origin. Many of the folk-like tunes are based on the so-called pentatonic or 5- note scale which can easily be found by playing the black keys of the piano. The problem is that this scale has been used for much of the world’s folk music, from Asia to Scotland. (Auld Lang Syne is a classic pentatonic tune.)In a television script with an analysis of the symphony, Leonard Bernstein went so far as to say: “Let’s enjoy it as a fine, moving European composition but let’s not expect it to be American …” Bernstein went on to say that for real American music we would need to wait for composers like Copland as well as jazz. Truth though there may be in those words, it is undeniable that many Americans have heard echoes of their own country and their own experience in this music. Novelist Willa Cather, a sensitive, music-loving artist, heard in the Largo “the immeasurable yearning of all flat lands.” Surely it is no accident that millions of Americans who haven’t heard of Dvořák have sung “Goin’ Home” with feeling. W.J. Henderson reviewed the premiere in the New York Times commenting on the suggestion of “blood and sweat and agony and bleaching human bones” that had been left on “those mighty Western plains.” In addition to his awareness of the sufferings of Blacks and Native Americans, perhaps there is a sense of the composer’s own sorrows and longings for home. As the Dvořák scholar Joseph Horowitz put it: “More than a Bohemian symphony with an American accent, From the New World is a reading of America drawn taught, emotionally, by the pull of the Czech fatherland.”
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Aunque la precocidad no es garantía de éxito posterior, es sabiduría convencional que la mayoría de los buenos músicos demuestran su inclinación a temprana edad. Tal fue ciertamente el caso de Samuel Barber, quien comenzó a componer a la edad de siete años, ingresó en el recién fundado Curtis Institute of Music en Filadelfia a los catorce, y cuando dejó la escuela ya había escrito dos obras que ahora forman parte del repertorio estándar.
La Obertura de La escuela del escándalo fue escrita en 1931 cuando el compositor aún era estudiante. Sin embargo, este trabajo efervescente no es en ningún sentido un esfuerzo estudiantil, sino claramente el trabajo de un artista confiado que ya ha descubierto su propia voz. No estaba destinado a una interpretación real de la comedia de modales del siglo XVIII de Richard Brinsley Sheridan, sino que simplemente intenta capturar el espíritu satírico de la obra.
Aunque el lenguaje musical es claramente moderno, el espíritu de la obra recuerda a la especie de travesura de la ópera buffa que se escucha en el Fígaro de Mozart o en El barbero de Sevilla de Rossini. Una fanfarria estridente, como una introducción, establece el tono con algo que suena como una risa burlona. Un comentarista ha sugerido que esto podría ser específicamente una referencia a Lady Sneerwell, el personaje principal que es amante de los escándalos y los chismes, ayudado, dicho sea de paso, por personajes como Sir Benjamin Backbite.
El tema principal comienza en voz baja, un tema de baile melodioso que sugiere perfectamente un chisme susurrado. Luego, la orquesta completa continúa hasta que el estado de ánimo cambia abruptamente para el encantador segundo tema, interpretado por el oboe. Esta música suave sugiere claramente algo más que malevolencia, y podría ser una referencia a María, una joven ingenua que es lo más parecido a un personaje simpático en la obra. Un solo de clarinete nos lleva gradualmente de regreso al movimiento enérgico y similar al del primer tema. Después de una breve sección de desarrollo, se repite la parte inicial, como cabría esperar en lo que es un modelo de forma de sonata del siglo XVIII. Esta vez el segundo tema lírico lo toma esa versión más baja del oboe, el corno inglés. Las bromas concluyen con una breve coda que, aunque tiene un contrapunto sofisticado, es esencialmente un estallido de risa del siglo XVIII.
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Aquellos que solo conocen las obras más populares de Aaron Copland se sorprenderán al saber que en su juventud fue un modernista decidido, explorando las nuevas técnicas extremas de la época. Su amigo Leonard Bernstein ha dicho que cuando tocaba las juveniles Variaciones para piano de Copland en las fiestas, podía “vaciar la sala, garantizado, en dos minutos” con sus feroces disonancias y su severa intelectualidad. En cierto momento, Copland decidió que quería llegar a un público más amplio y fue así como desarrolló lo que se ha llamado su estilo “populista”. En obras como Rodeo, Billy the Kid y Appalachian Spring, utilizó un lenguaje musical que era rústico hasta el punto de incorporar canciones populares reales y, sin embargo, era a su manera extremadamente sofisticado y bien trabajado. Este estilo “rústico noble” de alguna manera capturó el espíritu estadounidense en toda su variedad como nadie más lo había hecho y se convirtió en una especie de jerga no oficial de la música americana, imitada, dicho sea de paso, por innumerables compositores de cine y televisión. Como dijo el compositor/crítico Virgil Thomson, este fue “el estilo de música populista más distinguido jamás creado en Estados Unidos”.
En 1950 Copland compiló un conjunto de cinco canciones americanas tradicionales para voz y piano. El estreno tuvo lugar en Inglaterra en junio de ese año, cantada por el distinguido tenor inglés Peter Pears, acompañado por el compositor Benjamin Britten. El estreno estadounidense en diciembre de 1951 fue cantado por el célebre barítono bajo afroamericano William Warfield, acompañado por Copland. El éxito de Set I provocó una secuela inmediata: Set II siguió en 1952 con un estreno de Messrs. Warfield y Copland en julio de 1953. Copland eventualmente haría que la versión orquestal se escuche hoy y ambas versiones siguen siendo extremadamente populares.
Las diez canciones brindan una amplia visión general de la vida y la experiencia estadounidense, desde canciones de trovadores como “Ching-a-Ring Chaw” y “The Boatman’s Dance” hasta el sentimiento noble de canciones religiosas como la melodía de Shaker “Simple Gifts”, la el himno evangélico “At the River” y el espiritual “Sion’s Walls”. “The Little Horses” es una canción de cuna, “Long Time Ago” una canción de amor sentimental y “The Golden Willow Tree” una balada que habla de proezas marítimas. “The Dodger” es una parodia hilarante de la hipocresía humana que comienza con la variedad política y de hecho fue utilizada como canción de campaña por Grover Cleveland en las elecciones de 1884 (una elección cuya maldad rivaliza con la de nuestro propio tiempo). Y luego está “I Bought Me a Cat”, que brinda a los cantantes de ópera de voz dorada la oportunidad de sonar como animales de granja.
Todas las canciones están bellamente realzadas por una orquestación hábil, a veces obviamente como la imitación del banjo de “The Dodger” o los ruidos de animales en “I Bought Me a Cat”, pero también en formas más sutiles como el hermoso solo de flauta que establece la atmósfera. al comienzo de “Long Time Ago” o el noble sonido de los metales en “At the River”. La mayoría de las fuentes de Copland provienen de versiones publicadas de las que uno podría esperar que usaran armonías convencionales. El lenguaje armónico de Copland no es terriblemente modernista, pero es refrescantemente inusual, evita los clichés armónicos y utiliza con gran habilidad las disonancias para resaltar el texto.
El musicólogo Leon Botstein ha dicho que Copland “ayudó a definir la conciencia moderna de los ideales, el carácter y el sentido del lugar de Estados Unidos”. De alguna manera se las arregló para hacer eso, ya sea que estuviera escribiendo una de sus majestuosas sinfonías, ballets de larga duración o poniendo estas melodías familiares que muchos estadounidenses pueden tararear o silbar.
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“Estoy convencido de que la música futura de este país debe basarse en las llamadas melodías negras. Estos pueden ser la base de una escuela de composición seria y original en los Estados Unidos”. Esa declaración no la hizo un enérgico joven compositor estadounidense interesado en explorar las raíces musicales étnicas de este país, sino un compositor bohemio de cincuenta y dos años que se había empapado durante toda su vida de la música folclórica de su país natal. país y había escrito ocho sinfonías al mejor estilo centroeuropeo. La Novena (y última) Sinfonía de Dvořák fue su intento de probar la tesis.
En 1892, a pedido de Jeannette Thurber, una rica e idealista mecenas de las artes, Dvořák vino a los Estados Unidos para ocupar el cargo de director del Conservatorio Americano de Música en Nueva York, una escuela que la Sra. Thurber había fundado un unos años antes. Aunque al principio se mostró reacio, la oferta de la Sra. Thurber de un salario generoso fue algo que el compositor no pudo rechazar. Se quedaría tres años, un período generalmente feliz y productivo, durante el cual escribió varias de sus obras más conocidas a pesar de episodios ocasionales de nostalgia. Durante el verano de 1893 pudo saciar su anhelo por su tierra natal viviendo con sus compatriotas en la comunidad checa de Spillville, un pequeño pueblo en el noreste de Iowa donde aún se encuentra un museo en la casa donde vivió. Es en esa casa donde completó la Novena Sinfonía.
Durante su estadía, Dvořák estudió con entusiasmo lo que él consideraba música folclórica estadounidense, aunque agrupaba con bastante despreocupación tanto los espirituales negros como la música de los indios americanos en una sola categoría. (En su defensa, se puede decir que el estudio conocido como etnomusicología aún no era una disciplina académica establecida). Su relación con los espirituales que amaba llegó de primera mano a través de Harry T. Burleigh, un estudiante afroamericano de Dvořák. quien se convirtió en asistente y amigo cercano. Burleigh cantaba regularmente espirituales para Dvořák y finalmente publicó sus propios arreglos que se convertirían en el repertorio estándar. Encontrar fuentes confiables de música nativa americana fue más difícil: el espectáculo del Salvaje Oeste de Buffalo Bill no era exactamente el sueño de un etnomusicólogo. Sin embargo, el interés de Dvořák en la cultura india americana era genuino: había leído La canción de Hiawatha de Longfellow décadas antes en una traducción al checo e hizo intentos sinceros de escribir una ópera sobre el tema a instancias de la Sra. Thurber. Aunque el proyecto nunca llegó a buen término, sí dejó su huella en la Novena Sinfonía, particularmente en su segundo y tercer movimiento, que el estudioso de Dvořák Michael Beckerman ha llamado verdaderos “poemas sinfónicos” basados en La canción de Hiawatha. Por cierto, parte de la visión generosa e idealista de Jeannette Thurber fue admitir estudiantes nativos americanos y afroamericanos en su escuela, algo tristemente inusual en ese momento. Como checo que vivía en el Imperio austrohúngaro, Dvořák sabía lo que significaba ser miembro de un grupo minoritario y apoyó firmemente esta misión de la escuela.
El estreno de esta obra que, según el compositor, pretendía transmitir
“Impresiones y saludos del Nuevo Mundo” tuvo lugar en diciembre de 1893 en el Carnegie Hall, inaugurado apenas dos años antes. El evento fue el mayor éxito de público en la carrera del compositor y la nueva sinfonía fue aclamada como una obra maestra. En el momento del estreno, Dvořák enfatizó en un artículo en el New York Herald que, a pesar del sabor popular del material, todos los temas eran suyos y no melodías populares reales.
La sinfonía se abre con una introducción lenta y quejumbrosa que luego estalla en una majestuosa llamada de trompeta similar a una fanfarria que forma la base del primer tema dramático. Siguen otros dos temas, el primero una misteriosa figura de fideos en los instrumentos de viento bajos que tiene el ritmo de una polca. El segundo, una melodía que se escucha en la flauta, tiene un parecido notable con uno de los espirituales favoritos de Dvořák, “Swing Low, Sweet Chariot”. Los temas se desarrollan y luego en estilo sinfónico tradicional se vuelven a exponer en la recapitulación. Una breve coda dramática cierra el movimiento.
El famoso segundo movimiento Largo presenta su conmovedora melodía interpretada por ese instrumento de viento de madera bellamente expresivo, el corno inglés. Esta melodía a menudo se ha tomado por una canción popular estadounidense, especialmente porque uno de los estudiantes de Dvořák le puso las palabras “Goin ‘Home”. Si bien muchos la han considerado una canción espiritual o de plantación, el propio compositor dijo que era una referencia a Hiawatha, aunque en realidad no está claro a qué parte del poema se refiere. Una sección central dramáticamente melancólica que a veces parece una especie de marcha fúnebre ha sugerido a algunos que la referencia podría ser al funeral de Minnehaha. Una reafirmación dramática del majestuoso primer tema del primer movimiento marca el final de esta sección intermedia y luego regresa el tema de apertura del corno inglés.
En el encantador scherzo, los timbales se transforman en tom-toms. Según el propio Dvořák, esta es una representación del baile de Pau-Puk-Keewis en la boda de Hiawatha. Una sección central jovial y relajante agrega contraste.
El final ofrece un resumen dramático de la obra, introduciendo dos temas nuevos, el primero otro tema majestuoso que se escucha en los metales y el segundo una melodía lírica que se escucha en el clarinete. Sin embargo, no contento con ese material, Dvořák también recupera temas de movimientos anteriores. El final está lleno de sorpresas, incluido un cambio de E menor a un E mayor triunfante.
Finalmente, aunque “From the New World” ha mantenido su lugar como una de las sinfonías más populares, ha generado su propia controversia a lo largo de los años. El problema no ha sido su efectividad artística, obviamente es la obra de un maestro sinfonista, sino su supuesta “americanidad”. Es innegablemente cierto que la mayoría de los checos probablemente escuchen la pieza como una obra maestra europea con muchos pasajes folclóricos que bien podrían ser de origen eslavo. Muchas de las melodías de estilo popular se basan en la llamada escala pentatónica o de 5 notas que se puede encontrar fácilmente tocando las teclas negras del piano. El problema es que esta escala se ha utilizado para gran parte de la música folclórica mundial, desde Asia hasta Escocia. (Auld Lang Syne es una melodía pentatónica clásica). En un guión de televisión con un análisis de la sinfonía, Leonard Bernstein llegó a decir: “Disfrutémosla como una composición europea fina y conmovedora, pero no esperemos que sea estadounidense”. …” Bernstein continuó diciendo que para la verdadera música estadounidense tendríamos que esperar a compositores como Copland y al jazz.
Si bien puede haber verdad en esas palabras, es innegable que muchos estadounidenses han escuchado ecos de su propio país y su propia experiencia en esta música. La novelista Willa Cather, artista sensible y melómana, escuchó en el Largo “el anhelo inconmensurable de todas las tierras llanas”. Seguramente no es casualidad que millones de estadounidenses que no han oído hablar de Dvořák hayan cantado “Goin’ Home” con sentimiento. WJ Henderson revisó el estreno en el New York Times comentando sobre la sugerencia de “sangre, sudor, agonía y blanqueamiento de huesos humanos” que habían quedado en “esas poderosas llanuras occidentales”. Además de su conciencia de los sufrimientos de los negros y los nativos americanos, quizás haya un sentido de las propias penas y anhelos del compositor por su hogar. Como dijo el erudito de Dvořák Joseph Horowitz: “Más que una sinfonía bohemia con acento estadounidense, “From the New World” es una lectura de América dibujada, emocionalmente, por la atracción de la patria checa”.